MF e compagnia bella

In scena tre testi di Agota Kristof, esempi diversi della produzione di un’autrice che sfugge a qualsiasi etichetta e parentela. Il primo è un racconto, intitolato L’analfabeta (2004), che ci fornisce, con stile estremamente asciutto, senza un’ombra di compatimento, gli elementi essenziali della sua biografia e soprattutto del suo rapporto con la lingua e la scrittura. Il secondo un testo teatrale, L’ora grigia, che ci porta altrove, di fronte a un Lui e una Lei, una prostituta avanti negli anni e un suo vecchio cliente, un ladro; i due s’incontrano in quella strana ora che precede l’alba, l’ora dei sogni, dei vagabondi e dei moribondi, per bere e parlare, in un gioco di ricordi, litigi, menzogne veritiere e false verità, mentre nella stanza accanto, un violinista aspirante suicida dà forma con la sua musica a un curioso contrappunto. Un testo segnato da un suo particolare, malinconico fascino.

Questi i contenuti di un progetto che si è andato sviluppando a partire da una lettura scenica alla Biblioteca comunale di Monza nel 2005 e che, nell’allestimento definitivo, si accrescerà di un terzo tassello, il testo teatrale La chiave dell’ascensore.

«Anche qui la verità si gioca nello spazio apparentemente ristretto che divide l’io e il tu di una coppia, sottolinea Elisabetta Rasy nell’introduzione ai due testi. Anche la scena si mostra per quel che è, non solo un territorio separato, come la camera della prostituta, ma addirittura inaccessibile a chi non ha una certa chiave, uno speciale strumento, cioè uno speciale potere. Gran parte di ciò che accade e soprattutto di ciò che conta, in queste due pièces accade fuori, altrove: la scena di Agotha Kristof è un luogo di reclusione, uno spazio concentrazionario. Dove agiscono, mascherati da piccole situazioni intimiste, ampi cerimoniai di tortura e messa a morte. Alle vittime non c’è che una chance, nel claustrofobico spazio che sono condannate ad abitare: far sapere che c’è un’altra versione dei fatti. Non c’è coraggio, virtù, grandezza nel conflitto che oppone la prostituta al suo cliente o la moglie al marito, e la mano del cielo che s’incarna nel violista fallito o nel compiacente medico di regime – del regime coniugale che vige nella stanza rotonda alla quale si può accedere solo con l’ascensore – sta nell’abietto gioco delle circostanze. Ciò che salva la scena delle relazioni in atto dal perdersi definitivamente in una musica funebre è, appunto, un unico possibile gesto di coraggio che coincide con un gesto di disperata resistenza: la testimonianza di un’altra verità, la verità della vittima».

Cristina Crippa ed Elio De Capitani saranno gli interpreti delle due coppie, Elena Russo Arman sarà una narratrice-autrice e ci guiderà attraverso i tre testi, Jean-Christophe Potvin interpreterà la figura muta del musicista e la violinista Stefania Yermoshenko ci accompagnerà con la musica dal vivo.

Nel 1956 Agota Kristof, poco più che ventenne, con in braccio una bambina di quattro mesi, varca attraverso i boschi il confine tra l’Ungheria e l’Austria. Accolta come profuga, da Vienna, giunge a Zurigo e infine a Neuchatel, dove attualmente vive. Si lascia alle spalle un’infanzia felice anche se aspra e povera, una vita dura ma segnata da un’immensa passione per la lettura e la scrittura. Si lascia alle spalle una lingua, un’identità sofferta ma forte. Ricomincia in Svizzera, lavora in una fabbrica di orologi, in condizioni materiali accettabili, ma nel deserto intellettuale e relazionale, in un asettico e crudele sradicamento. Poco per volta, conquista una nuova lingua: capire, parlare, leggere, scrivere. Inizia componendo liriche, ma passa ben presto alla prosa e, in particolare, dal 1972, a testi per il teatro e per la radio. Il successo internazionale arriva con il primo romanzo, Le grand Cahier (1986), prima parte della Trilogia della città di K. La lingua in cui Kristof scrive, il francese, non è dunque la sua lingua materna, ma una di quelle “lingue nemiche”, come il russo e il tedesco, che hanno fatto irruzione con violenza nella sua esistenza. C’è stata una ferita, una perdita e proprio questo, forse, determina nel suo stile una particolare precisione, nitidezza, passione e, nel contempo, una distanza dolorosa.

Allo stesso modo che nei romanzi più noti, anche nella produzione drammaturgica – che conta circa una dozzina di pièce, di cui solo queste due pubblicate in italiano da Einaudi – ritroviamo lo stesso bisogno di raccontarsi, di ristabilire una propria versione dei fatti, di riappropriarsi della propria verità e della vita come estrema difesa dalla disarmonia e dall’abbandono. Nel percorso della Kristof, il testo teatrale e la sua messa in scena vengono così a rappresentare l’uscita dal deserto, il ritrovamento di una collettività di ascoltatori a cui si può nuovamente parlare e appartenere. «Una lingua è perduta e al suo posto c’è una scena», sintetizza con efficacia Elisabetta Rasy.

And all for nothing!
For Hecuba!
(William Shakespeare Hamlet  atto II scena 2ª)
 

Perché un attore piange per Ecuba, si domanda Amleto. Che cosa è Ecuba per lui e lui per Ecuba? L’interrogativo shakespeariano miracolosamente sintetizza il mistero del teatro: interpreti che vivono in una finzione, spettatori che la giustificano, dando senso in definitiva a quel pianto.
Oggi il teatro ripete rispettosamente il suo ineludibile rituale, o, più spesso, esalta minime variazioni ad esso, correzioni del punto di vista.

Il concetto di creazione contemporanea, che il Festival delle Colline Torinesi vuole richiamare già a partire dallo stesso logo, è secondo molti operatori teatrali il più adatto a definire quegli artisti che rinnovano linguaggi del teatro, che progettano appunto variazioni al rito.
Nonostante il fatto che sia del tutto pleonastico proclamare la contemporaneità essendo impossibile eluderla, questa terminologia convenzionale – creazione contemporanea – risulta utile per raggruppare i lavori di registi, attori, compagnie che dimostrano una vitale, energica insofferenza per le trappole della banalità, spesso ricorrenti sulla scena, e sono capaci di proporre percorsi originali, frutto di scelte rigorose. 

Proprio una pluralità di stili e un considerevole impegno caratterizzano gli spettacoli dell’edizione 2008 del Festival: le contaminazioni teatro-circo di Christophe Huysman, la radicalità della ricerca linguistica di Suttascupa e di Sonia Chiambretto/Hubert Colas, il realismo grottesco e melodrammatico di Ricardo Bartís, le provocatorie metamorfosi realtà-finzione di Rabih Mroué e Lina Saneh, il dolente espressionismo di Emma Dante, la visionarietà di Vincenzo Schino, l’emozionante straniamento di Amir Reza Koohestani.
Teatro di parola scintillante è quello di Egumteatro, dei Teatri Uniti, di Gianfranco Berardi; teatro fuori dai teatri, fatto in una casa, nella proposta di Iraa Theatre, di Cuocolo/Bosetti che mettono in scena la loro vita, i casi loro e non di personaggi di fantasia.
Le sfide più impegnative al Festival sono poi quelle della compagnia Fanny & Alexander che, dopo Ada di Nabokov, si cimenta con un’altra saga letteraria del Novecento, il Mago di Oz, di Valter Malosti in lotta con l’iperbolico Testori della Passio Laetitiae et Felicitatis, di Antonio Latella che dell’Hamlet, addirittura in 11 tappe, indaga l’infinito gioco di specularità. Sarà il suo viaggio nella più celebre tragedia della cultura occidentale a farci ripensare non solo all’incomprensibile pianto dell’attore per una sconosciuta Ecuba ma anche al testamento di Amleto, alla sua impareggiabile vitalissima inesistenza.

Alcuni degli spettacoli della tredicesima edizione fanno anche parte di Carta Bianca, tre giorni di incontri sulla nuova creatività italiana e francese del teatro e della danza, un evento che proporrà le presentazioni di Muta Imago, David Bobée, Vincent Dupont, Gwenaël Morin, Michela Lucenti, Joachim Latarjet, Nicolas Ramond, Babilonia Teatri, Thomas Guerry.

L’impegno di tutti è che sia ancora un programma “attento alla varietà dei contenuti e delle compagnie ospitate in una lucida prospettiva di rinnovamento culturale”, come recita la motivazione del recente Premio Speciale Ubu assegnato al Festival. Un proposito che si può realizzare solo continuando a dialogare senza preconcetti con i partner e gli artisti d’Europa e del mondo.

Uno di questi, Luigi Mainolfi, dopo Mario Merz e Marco Gastini, ha donato il suo segno originale al Festival, ibride figure più animalesche che umane, mitologiche e fantasmatiche che sembrano nutrirsi di parole, come gli attori. 

Sergio Ariotti

(www.festivaldellecolline.it)
 

1.Ombre: I Becchini, Le guardieTorino, teatro Astra 22/06/08 ora: 18 durata: 2 ore

2. Potere: Regina Gertrude, Re ClaudioTorino, teatro Astra 23/06/08 ora: 20 durata: 2 ore

3. Fratelli: Ofelia, LaerteTorino, teatro Astra 24/06/08 ora: 20 durata: 2 ore

4. Spie: Polonio. Rosencrantz e GuildensternTorino, teatro Astra 25/06/08 ora: 18 durata: 2 ore

5. Teatro: I Comici, Il duelloTorino, teatro Astra 26/06/08 ora: 18 durata: 2 ore

6. Testamento: AmletoTorino, teatro Astra 27/06/08 ora: 18 durata: 2 ore


regia Antonio Latella
drammaturgia di gruppo a cura di Antonio Latella e Federico Bellini
con Michele Andrei, Massimo Arbarello, Fabio Bellitti, Sebastiano Di Bella, Anne Sophie Durand,

Marco Foschi, Giuseppe Lanino, Nicole Kehrberger, Fabio Pasquini, Annibale Pavone,
Enrico Roccaforte, Rosario Tedesco, Emilio Vacca (edit del 25.5.08, evviva le virgole!)

costumi ed elementi scenici Rosa Futuro e Tobias Marx
idea scenica Antonio Latella
disegno luci Giorgio Cervesi Ripa
musiche Franco Visioli
ideazione ombre altretracce Massimo Arbarello, Fabio Bellitti, Sebastiano Di Bella
maestro d'armi Francesco Manetti
regista assistente Tommaso Tuzzoli
assistente al progetto Stefano Laguni
assistenza alla regia Catherine Schumann
assistente maestro d’armi Valentina Calandriello
foto di scena Anna Bertozzi
produzione Teatro Stabile dell'Umbria, Festival delle Colline Torinesi
in collaborazione con Fondazione del Teatro Stabile di Torino e Mittelfest 2008

Torino, Teatro  Astra

22 giugno ore 18    1.Ombre: I Becchini - Le guardie
durata 2h
23 giugno ore 20     2. Potere: Re Claudio - Regina Gertrude
durata 2h
24 giugno ore 20     3. Fratelli: Ofelia - Laerte
durata 2h
25 giugno ore 18    4. Spie: Polonio  - Rosencrantz e Guildenstern
durata 2h
26 giugno ore 18    5. Teatro: I Comici - Il duello
durata 2h
27 giugno ore 18    6. Testamento: Amleto
durata 2h

28 giugno VERSIONE INTEGRALE


ore 10.30     1. Ombre
ore 13.30     2. Potere
ore 16.00     3. Fratelli
ore 19.30     4. Spie
ore 22.00     5. Teatro
ore 24.00     6. Testamento




Di fatto, non esiste una cosa come l’Amleto di Shakespeare. Se Amleto possiede qualcosa della definitezza di un’opera d’arte, possiede anche tutta l’oscurità che appartiene alla vita. Vi sono tanti Amleti quante malinconie.
Oscar Wilde (da “Il critico come artista”)

Alla fine degli anni novanta, Antonio Latella aveva già affrontato AMLETO ma, a distanza di tempo da quell’esperienza, il suo sguardo sull’Opera si è modificato, portando alla presentazione di un processo artistico più che di uno spettacolo.
Ho affrontato AMLETO a trent’anni, con quella veemenza e quella presunzione alle quali un uomo di quell’età indulge per sentirsi meno solo. Ora mi ritrovo a quarant’anni faccia a faccia con Lui, ma la scoperta è terribile, è come stare davanti ad un amico di cui non so nulla, a cui non ho chiesto nulla e che non ho mai avuto l’umiltà di ascoltare, ho solo e sempre cercato di raccontarmi a lui, di usarlo per parlare di me.
Antonio Latella

Antonio Latella ha concepito questa messinscena per una visione frontale, come fosse un’esposizione di quadri che mostrano sequenze della tragedia, in ognuna delle quali gli interpreti, attori e al contempo autori, propongono il ritratto in primissimo piano dei personaggi dell’AMLETO. Un progetto inusuale nella realtà produttiva del teatro italiano, che ha richiesto un lungo periodo di preparazione e di prove a partire dal gennaio 2007.
ESSERE O NON ESSERE è la domanda cui ogni personaggio deve rispondere. Deve scegliere le parole, i gesti, i movimenti per giungere alla propria stessa fine. Un flusso di coscienza con citazioni, interpolazioni, frammenti di altri testi fino alle dichiarazioni ultime del proprio cessare, un cessare che nel profondo si è già consumato verso una inesplicabile deriva.
La prima stazione è quella dei Becchini, che aprono la porta di una grande fossa comune, giocano con gli avanzi di tutto, compresi quelli umani, ma è come se aprissero la copertina di un libro per bambini, pronti ad evocare nuove favole; allora i fantasmi si fanno carne, e poi la carne indossa il costume, riprende un ruolo da interpretare, un ruolo per essere parte del gioco.
Fino ad arrivare alla ri-consegna del testo, l’originale Amleto di Shakespeare che il protagonista del dramma ha tra le mani per l’ultima volta, accanto al fedele Orazio, prima che tutto si esaurisca nel Non-Essere, nella fine di ciò che è stato, per poter di nuovo, forse, ancora Essere.
Gli HAMLET’S PORTRAITS andranno in scena dal 22 al 27 giugno. Undici quadri in sei serate, sotto i titoli: OMBRE, POTERE, FRATELLI, SPIE, TEATRO, TESTAMENTO. Infine, sabato 28 giugno tutti e undici i quadri saranno presentati al pubblico in sequenza, dalla mattina fino alla notte.

Il Teatro Stabile dell’Umbria ha trovato un partner convinto nel Festival delle Colline Torinesi, insieme hanno potuto sostenere e portare a compimento questo complesso progetto anche grazie al contributo generoso di tutti gli artisti coinvolti nel processo creativo, di fatto coproduttori dell’impresa.

ANTONIO LATELLA
Antonio Latella nasce nel 1967 a Castellammare di Stabia, frequenta la scuola del Teatro Stabile di Torino diretta da Franco Passatore e la Bottega Teatrale diretta da Vittorio Gassman. Nel 1986 inizia a lavorare come attore, mentre nel 1998 passa alla regia teatrale. I suoi allestimenti indagano la drammaturgia classica o contemporanea attraverso uno sguardo registico lucido e visionario. Gli autori prediletti in questo percorso si rivelano essere Shakespeare (Otello, Macbeth, Romeo e Giulietta, Amleto, Riccardo III, La dodicesima notte, La tempesta), Genet (Stretta sorveglianza, I Negri, Querelle), Pasolini (Pilade, Porcile, Bestia da stile) e ancora Testori, Marlowe e Bruno.
Nel 2006 ha presentato in prima assoluta al Festival Studio su Medea (premio Ubu 2007 come  migliore spettacolo della scorsa stagione). Successivamente ha realizzato Le lacrime amare di Petra von Kant da Fassbinder, Aspettando Godot, Moby Dick e La trilogia della Villeggiatura a Colonia in Germania.

... MA IL CAST COMPLETO???

Ferdinando Bruni ed Elio De Capitani, di nuovo insieme alla regia, portano in scena un bestseller del teatro americano, Angels in America, saga provocatoria e commovente che si articola in due parti: Si avvicina il millennio e Perestroika. La prima parte, coprodotta da ERT/Emilia Romagna Teatro Fondazione e da Teatridithalia, ha debuttato con successo al Teatro delle Passioni di Modena nel maggio scorso; la seconda andrà in scena nella stagione 2008/2009.

Il dramma (o la commedia) di Tony Kushner ha fatto incetta di premi oltreoceano (Premio Pulitzer nel 1993, poi numerosi Tony Award, e infine 5 Golden Globe e 11 statuette agli Emmy Awards per la versione televisiva con Al Pacino, Meryl Streep e Emma Thompson) e, al suo debutto londinese per la regia di Declan Donnelan, è stata definito dal Sunday Times "una Divina Commedia per un'età laica e tormentata; un terremoto nel teatro, sconvolgente, terribile e magnifico".

Il sottotitolo esplicito, “fantasia gay su temi nazionali”, non sintetizza tutta la ricchezza dell’opera e la complessità dei personaggi: Kushner infatti affronta di petto il tema dell’identità, ma non per esaurirlo sotto il profilo sessuale, bensì per sondarne in profondità tutte le componenti, razziali, religiose e culturali, e per dipingere un mondo - il nostro - nel quale gli esseri umani faticano disperatamente a riconoscersi e accettarsi con consapevolezza e dignità.

I due testi raccontano le vicende sentimentali e i conflitti di due coppie: la relazione gay tra Prior Walter, che scopre di essere malato di AIDS, e Louis Ironson, incapace di accettare la malattia e il dolore, e il matrimonio fra l'avvocato mormone Joe Pitt, dilaniato nelle scelte sia private che professionali, e Harper, giovane moglie depressa; le loro storie s’intrecciano a quelle di Roy Cohn, personaggio realmente esistito, famoso e potente avvocato, e di Belize, infermiere professionale ed ex travestito. Sono tutti rappresentanti del melting pot della Grande Mela e, pur se legati al contesto storico degli anni Ottanta, si elevano a emblemi attuali e universali di un’umanità dolente.

Il registro della quotidianità, la concretezza del dolore e della malattia descrivono solo in parte questo testo immaginifico e barocco, nel quale gli angeli non sono quelli consolatori che volano sopra il cielo di Berlino, ma esseri grandiosi, narcisisti e un po’ hollywoodiani, che hanno il compito di trovare colui che più di ogni altro sappia aprire gli occhi su quest’epoca confusa e infelice, orfana di ideologie e di ideali.

Lo scenografo Carlo Sala ha voluto ricostruire all’Elfo l’ambiente essenziale del Teatro delle Passioni di Modena, fatto di nude mura di mattoni chiari: si crea così uno spazio ampio e semivuoto, dove vengono introdotti pochi elementi essenziali, luogo ideale per le immagini video di Francesco Frongia, capaci di trasformare la scena ora nello skyline che domina Central Park, ora nel panorama di Salt Lake City, nei cumuli di ghiaccio dell’Antartico, in bilico tra realtà e allucinazioni mentali. Il cast è guidato da Elio De Capitani, al quale è affidato il ruolo di Roy Cohn, avvocato di successo, già pupillo di MacCarthy, il senatore che scatenò la caccia alle streghe che infangò la storia degli Stati Uniti nel dopoguerra. Insieme a lui Ida Marinelli e Cristina Crippa, volti noti della compagnia, e un gruppo affiatato di attori tra i trenta e i quarant’anni: Elena Russo Arman e Cristian Maria Giammarini, già interpreti di molti spettacoli dell’Elfo, Edoardo Ribatto, Fabrizio Matteini e Umberto Petranca.